Paper Moon

Quando viene pubblicato un nuovo lavoro di Amélie Fléchais è impossibile starsene con le mani in mano. Dopo Lupetto Rosso e Il Sentiero Smarrito non affidarsi all'autrice francese sarebbe un'autentica follia. Il suo talento nell'accompagnare il lettore in un mondo surreale dove si è leggerissimi, un mondo dove perdersi è la cosa più semplice del mondo e lo si fa anche volentieri, è unico. Ne L'Uomo Montagna viene affiancata nella sceneggiatura da Séverine Gauthier, di cui vi invito a cercare Haïda (storia che spero riesca ad arrivare anche qui da noi, Tunué dico a te!) e Garance, due lavori che come quelle di Amelie Flechais giocano con microcosmi meravigliosi.
Il risultato del loro lavoro insieme è una nuova opera incantevole e delicata.
L'uomo montagna è la storia di un nonno che, appesantito dalle montagne che gli sono cresciute sulla schiena dopo i suoi innumerevoli viaggi, non riesce più a muoversi, e del suo nipotino, un bambino che ancora non ha nessuna montagna sul suo corpo, e che decide di partire alla ricerca del vento più forte che c'è, per far smuovere suo nonno per poterlo accompagnare poi in un nuovo viaggio.

La storia, così come i precedenti lavori dell'autrice, contamina il racconto con degli aspetti favolistici. Il bambino affronterà un percorso ben preciso, un percorso da tracciare su mappa, incontrando diversi personaggi ognuno dei quali donerà lui un insegnamento. Tre personaggi, tre aiutanti, e una morale sottintesa.
Ma rispetto a Il Sentiero Smarrito dove la natura era una componente mistica e selvaggia e aveva quasi una funzione scenografica in questo caso è invece protagonista. I tre personaggi che il bambino incontrerà saranno del resto un albero che gli insegnerà il valore della parola casa, dei sassi che sapranno sorprenderlo con il loro rotolare insieme, condividendo ciò che provano (sennò che senso avrebbe rotolare?) e il saggio re degli stambecchi. Ognuno di loro offrirà al bambino il suo punto di vista e lo porterà a completare così il suo percorso, arrivando così alla montagna più alta di tutte dove incontrerà il vento.
L'uomo montagna è il racconto di come si possa, e come sia difficile in parte, affrontare e comprendere il percorso di una vita, una riflessione sul senso più profondo del significato della parola viaggio.
Le radici e le montagne sono ciò che il bambino scoprirà di aver sempre avuto, ciò che avrà sempre, l'accettazione e la condivisione di tutto quello che si incontra durante ogni lungo viaggio o semplice percorso.

Il linguaggio degli autori è dolce, la narrazione armoniosa e suggestiva. La natura è vivida nei suoi colori più puri e onirici, quelli che illuminano le favole più sincere. Quando insomma la parola incanto non è usata a caso.

| Séverine Gauthier e Amélie Fléchais, Tunué, pp. 56,
Tunué/Amazon

Draghi, villain, eroi, segreti, piani misteriosi.
Queste sono le premesse di Nimona di Noelle Stevenson (Bao Publishing), e dico, solo per queste premesse alquanto semplici dovreste correre a leggerlo. Il punto è che per quanto appunto possa apparire semplice il soggetto di questo fumetto leggerlo in realtà vi provocherà emozioni ben più forti.

Nimona è una ragazzina mutaforma (da gatto a drago, da essere umano a scoiattolo) che si offre volontaria per il ruolo di spalla del malvagio Lord Ballister Cuorenero, un ex cavaliere che ha accettato il ruolo di malvagio, di cattivo tra i più cattivi del regno, dopo aver perso un braccio durante la giostra contro l'amico Ambrosius Lombidoro (i nomi ragazzi, i nomi), diventato invece, ovviamente, paladino della giustizia e campione dell'Ente, una misteriosa società segreta che si occupa degli affari del regno.
L'opera svela lentamente la sua trama, partendo da semplici gag tra Nimona e il suo boss, con il quale condividiamo il punto di vista, fino ad azioni potenti che porteranno verso un finale ad alta tensione, che dovrà rivelare cosa veramente si nasconda dietro l'ente, e sopratutto quale sia il passato, la causa, dei maestosi e terribili poteri di Nimona

Ma dietro all'intreccio si nasconde un percorso che porta all'accettazione di sé di ognuno dei personaggi, attraverso l'evoluzione dei rapporti, smaltendo rancori e frustrazioni tenute nascoste molto a lungo, e molto più crudelmente rispetto ai segreti dell'Ente.
Ed è questo che chiaramente rende speciale Nimona, il suo essere una bomba emotiva a rilascio graduale, capace di farvi sghignazzare (non ridere attenzione, proprio sghignazzare, siamo insieme a un villain santo cielo!) fino a farvi chiudere il volume con gli occhi lucidi.
Non pecca, mai, neanche una volta, neanche in una tavola.

Noelle Stevenson ha creato un mondo dove magia e scienza coesistono nelle loro più sublimi manifestazioni. Non è steampunk, non è urban fantasy. È qualcosa di molto vicino al mondo di Adventure Time probabilmente, ma privo delle sue dinamiche casuali e governato invece da leggi precise e manifestazioni regolari. Ci sono roccaforti e mercati medievali insieme a schermi (volutamente pacchiani) per comunicare messaggi, ci sono draghi (e attenzione, i draghi sono creature che esistono, visto che Nimona è capace di tramutarsi in uno di loro sebbene abbia specificato "solo creature esistenti") e pistole laser. Laboratori e montagne che celano magie arcane.
E la dicotomia tra magia e scienza è espressa perfettamente nel rapporto tra Nimona, essere magico e misterioso per eccellenza, e Ballister, stratega che si affida completamente alla scienza per ideare i suoi piani.
Nel mezzo la misteriosa sfera creata da una scienziata: "Questo dispositivo, signore, è il primo a conciliare scienza e magia!"

I tre personaggi, Nimona e Cuorenero, ma anche Lombidoro, muteranno le loro ambizioni, dimostrando di non essere cattivi senza pietà o eroi bugiardi.
E sopratutto Nimona, che vedremo sempre attraverso gli occhi di Cuorenero dimostrerà di essere non solo una spalla divertente e chiassosa, una ragazzina esuberante e crudele, ma una vera e propria ragazza-mostro, molto più potente, molto più reale e vincente del classico stereotipo della donna donata di immensi poteri e per questo intoccabile e/o condannata.
Per questo Noelle Stevenson ha dedicato quest'opera a loro, "A tutte le ragazze-mostro", a quelle capaci di scegliere da sole.

Claire e Malù di Tauro (Antonio Silvestri) e Kiaricola (Chiara Colagrande) è l'ultimissima uscita Tunué (Collana Tipitondi) e mostra al lettore il rapporto imprescindibile con quei compagni d'avventura fedelissimi e irrinunciabili, perché gli altri stavolta sono, come Malù, amici apparentemente silenziosi ma in realtà ben più loquaci di qualcuno davvero dotato del dono della parola.

Claire conta freneticamente i giorni che mancano al suo compleanno. Inaugura il mesevigilia con un concentrato di energia che ripropone ogni mattina, mentre i giorni sul calendario vengono strappati via. E ogni mattina c'è la sua cagnolina Malù (un maltese, mi pare) ad aspettarla tra il divertito e l'esasperato. Così, in attesa del grande evento (io, come Claire, ancora adesso a un mese esatto dal mio compleanno comincio ad annunciare la grande festa nel regno) si alternano tavole autoconclusive ad alto contenuto umoristico che ci avvicinano alla fatidica data.

Tavole che portano in scena due elementi semplicissimi ma essenziali: la complicità e l'ironia che queste due facce toste riescono a mettere in scena. Caratterizzando dolcemente i personaggi con un tratto tondeggiante (Malù deve essere morbidissima, io che saluto tutti i cani che incontro mi aggrapperei alle sue orecchie) gli autori, grazie anche a una sceneggiatura forte sia dell'energia e dell'esuberanza di Claire ma sopratutto dei commenti marginali di Malù, sarcastica e irriverente, riescono sia ad accarezzare il cuore del lettore evocando ricordi dolcissimi o proponendo scene vissute quotidianamente, sia a farlo divertire con un umorismo quanto mai efficace.

Il fumetto risulta così ben bilanciato. Tavole autoconclusive divertenti, dove la routine quotidiana fa da padrona, insieme a una storia che nel complesso parla con tenerezza sia ai bambini sia agli adulti (come del resto riescono a fare tutte le graphic della collana Tipitondi, che propongono storie ai più piccoli evocando immagini ed emozioni forti negli adulti).

Si tratta di un lavoro che offre un talento nuovo, fresco e divertente, una storia per tutti, perché tratta di un sentimento che tutti conosciamo, quindi qualcosa di semplice, dolce e brillante.

Revolushow è un sogno frustrante. Anzi, è uno di quei pensieri malsani e insensati che arrivano nel dormiveglia, è grottesco, disturbante, l'opera di Falbo e Caligaris edita da Eris Edizioni dimostra che non c'è via di scampo, non c'è possibilità di liberarsi dalla diretta televisiva.

Perché si tratta di questo. Revolushow è il nome del programma televisivo gentilmente offerto dalla C.C.TV., il mantra assillante di ogni abitante della City.
Il lettore diventa telespettatore, e il live di questa giornata è qualcosa di unico, una puntata speciale. Ospite di King Hashtag è il capo supremo, l'uomo a capo del Bazura Empire.
La diretta è grottesca, terribile, celebra l'orrore senza farsi carico di alcun messaggio, si tratta di uno show dissacrante fino all'esasperazione.
La critica a una società incapace e schiava dei social network non è certo nascosta. L'uomo che non riesce davvero a stabilire un contatto, una condivisione se non attraverso l'uso della rete, una città schiavizzata dagli slogan, dalle dirette televisive, non c'è salvezza e l'essere umano non può certo redimersi ormai. Pagare il canone viene prima di qualsiasi cosa, prima del cibo, prima dell'aria.

L'atmosfera disturbante in cui è inserita la narrazione è in questo caso portata a livelli estremi. Il lettore, come gli abitanti della City ha gli occhi fissi sulla puntata, e il ritmo è scandito dalle varie presentazioni dei reali nemici dello stato, quelli che attentano alla vita del boss, quelli che vogliono "ribaltare" il sistema.
Ma la rivoluzione non è attiva, non è reale. Non c'è rivoluzione perché il massacro è ancora una volta dietro uno schermo, l'azione non coinvolge nessuno. C'è solo lo spettatore.

Inutile dire quanto sia meraviglioso lo stile, esagerato e contorto, ricorda Crumb certo, ma dimostra sopratutto che ciò che conta non è il realismo, ma essere capaci di disturbare, di arrivare all'estremo. Le figure che popolano lo show hanno riferimenti ben precisi, sono citazioni non compiaciute ma intriganti, prima tra tutte quella di copertina.
Il Boss è Marat, simbolo di una rivoluzione reale, ma allo stesso tempo un Drugo, distruttivo, crudele, e infine, sopratutto, un fantoccio.

Come si fa a non amare sin dall'inizio una graphic novel della collana Tunué Tipitondi (sinonimo di dolcezza) che si chiama Timothy Top Libro Uno: verde cinghiale? Sopratutto perché questo nome allitterante da supereroe è quello di un bambino che vuol salvare il parco cittadino.

Timothy è un bambino con un sacco di problemi, quei problemi che quando sei piccolo ti fanno rimpicciolire ancora di più. I genitori sono distratti e litigano costantemente e lui rimane in disparte, in salotto, con la sorellina più piccola. Se esce di casa per andare a scuola la situazione peggiora. La maestra lo mette ogni giorno in imbarazzo davanti a tutta la classe perché lui "se ne esce con le sue idee strampalate".
Le giornate di Timothy sono una routine fatta di insicurezze, di prese in giro e immensi momenti di silenzio. Silenzio reso alla perfezione.
Tutto è conformizzato. Quando quello che un bambino vuole, giustamente, è poter immaginare, poter fare nuove esperienze, poter avere un suo tempo e un suo spazio (letale e doloroso il "non abbiamo tempo" che gli viene dato in risposta dal padre).
E come può sopravvivere? Chiaro, come abbiamo fatto tutti (e continuiamo a fare, sicurissima di questo): diventa un supereroe. Nei suoi sogni a occhi aperti o meno è lui che risolve la situazione. Ha un costume, un alleato, un grido di battaglia.

Poi c'è la svolta.
Mr. Plumbee (un nome una garanzia) vuole costruire al posto del parco cittadino (sede di Little John, maestoso albero che sembra custodire i ricordi più dolci di Timothy e di molti altri) un nuovo parco in "cemento colorato e bellissimo" dove "le piante sembreranno vere".
A questo punto la routine di Timothy viene spezzata, compare l'elemento magico e lui diventa veramente un supereroe. E avrà anche un fedele alleato, degno del paladino che resiste per la natura a nome di tutti: un cinghiale.
C'è da dire anche che lo stile di Gud (Daniele Bonomo) è perfetto. Un po' sgraziato, sa regalare a ogni personaggio un tocco indistinguibile (Mr. Plumbee tra tutti), e l'uso differente del colore, soprattutto nelle splash-page rende le parole non necessarie.

Timothy Top è sicuramente una fiaba che parla del rispetto per la natura e per il prossimo, ma è anche una lezione.
Quando le persone sembrano essere lontane, sembrano non capire, tu devi osare. Prova a parlarci. Prova a dire quello che pensi. Fai loro comprendere il perché.
C'è chi si arrende di fronte a una piantina che sfiorisce e c'è chi si lancia per salvare uno scarabeo.

Trovare un'opinione sensata è cosa rara su questi lidi. Tra l'altro le mie ultime letture sono state (in ordine eh): King, Eggers, Vandermeeer. Sono sfasata. Ovvero, mi scoppia il cervello.

E perché no, in mezzo ci ho messo pure l'antologico della Mammaiuto. Un delirio sfolgorante.

Dovete leggerlo perché così poi vi leggerete anche la genesi dell'opera (merita pure quella).
Perché loro sono bravi e fighi. Accettiamolo.
Comunque. L'antologico. L'idea è stata quella di seguire la stessa trama, lo stesso input per ogni racconto. E di racconto si parla, perché alla fine se "Un ragazzo parte per un viaggio. Ferisce qualcuno. Non torna più a casa" qualcosa si deve pur raccontare in fondo. E questo ha reso la lettura dell'antologico un piacere. Vi assicuro che non ve ne accorgerete. Perché i racconti, dieci in tutto, sono così diversi tra loro che è una mutazione continua, un rigenerarsi di volta in volta. Il fatto che l'antologico sia basato su questa idea, vi sfuggirà sicuramente dalla mente, scivolerà via. Diventa una raccolta di storie belle.
Storie belle che colpiscono tutte quante l'obbiettivo. Non ne ce n'è una noiosa o manchevole. Quello che le accomuna è forse quel retrogusto un po' amaro, quasi cattivo. Per quanto si parli di ragazzini che vanno a parlare con un drago la sensazione che ho avuto è stata comunque quella di essere investita dalle emozioni con i piedi ben piantati per terra.
È un esercizio di stile che non annoia. Ve l'ho detto, non ve ne accorgerete nemmeno che è un antologico nel senso più stretto del termine. Si passa dal fantasy, al drama, sci fi. Tutto quanto. È ricco. Un delirio continuo di voci, colori, sensazioni.

Leggete l'antologico, è uno stordimento bello (bello che ti riempe la bocca) e potrete andare veramente lontani, senza neanche muovervi di un millimetro.

Ok, ammetto che sono ossessionata da tante cose. Un numero nella media comunque. Ma sono più che sicura che Lovecraft sia quell'ossessione che sta sul podio insieme a poche altre. L'outsider, l'ossessionato a sua volta, quel metterci di fronte a un essere umano incapace di conoscere la realtà, incapace di comprendere cosa si celi davvero dietro il cielo stellato che si ritrova a fissare pieno di meraviglia. Quella meraviglia che diventa orrore, una terribile comprensione che non può, e non potrà mai, perché mai lo è stata nei tempi, essere tollerata.
Il buon Howard ci mette davanti agli strappi nel tessuto cosmico che diventano vere e proprie ferite nell'animo umano, l'invisibile si palesa (ma mai completamente, mai con fare troppo scenico, mai del tutto, nessun Necronomicon mai esplicitato) e le stelle brillano come potrebbero brillare altrimenti solo a Carcosa.

Erik Kriek prende Lovecraft e smussa gli angoli. La narrazione è più composta, quasi ammaestrata. Si viene presi per mano quasi con gentilezza. Non che per questo ci si senta meno inquieti. Sappiamo a cosa andiamo incontro. Sappiamo bene chi sono gli abitanti di Innsmouth, ma grazie a questo tipo di lentezza, affrontiamo l'orrore con una calma placida ancora più straniante. Kriek ha reso Lovecraft meno frustrato, meno orrorifico in parte. Incredibilmente la cosa mi è piaciuta da morire.
La sceneggiatura procede omogenea, un racconto come Dagon (uno dei miei racconti preferiti tra tutti quelli di Lovecraft) è un viaggio nell'orrore Lovecraftiano puro, con piedi che affondano nella melma viscida, geroglifici che non dovrebbero essere mai letti, e sebbene sia un racconto che ormai conosciamo a memoria neanche stavolta mi sono sentita meno sopraffatta. Merito del vecchio Howard, ovvio, ma anche di Kriek, che svela con un terrore quieto la creatura mostruosa che si cela dietro il reale.

Il fatto che Kriek si sia ispirato ai fumetti della EC Comics degli anni '50 ha reso tutto ancora più credibile, più concreto. La copertina è la summa completa di ciò che affrontiamo leggendo questi racconti. Un tuffo nel cosmo, un orrore pieno di meraviglie. Per non parlare dei dettagli, dei motivi ittiformi, delle pieghe ripugnanti, delle creature che volano terribili sopra le nostre teste, nei parchi, mentre noi continuiamo a ignorare tutto.

Sex Criminals è come una serie tv. D'impatto, deciso e letale come una serie tv.
Prendete due ragazzi che raggiungendo l'orgasmo riescono a fermare il tempo, sfruttando poi questo "dono" per rapinare una banca, metteteli in una graphic novel e otterrete qualcosa che doveva per forza essere mio, ma che sicuramente dovreste leggere anche voi.

Il bello di Sex Criminals è che non si fa problemi. La sceneggiatura è accattivante, contemporanea, piena zeppa di talento. Eppure stiamo parlando di un fumetto dove il sesso è alla base. Come non cadere in un vortice fatto di banalità, volgarità gratuite, scene che vorrebbero essere divertenti ma solo solo tristi? Semplice, bisogna essere bravi come questi due. La storia è sempre in azione, un motore continuo. La storia di Suzie, il suo apprendimento, Jon e "Schizzoland", film porno, biblioteche che stanno per chiudere. Non ci si annoia mai, ma neppure ci si stanca.
Come ho detto, funziona. Non si inceppa neanche un secondo.
Jon e Suzie sembrano (perché lo sono) veri, non sono mai spiegati, mai costruiti. C'è un punto in cui Jon elenca le sue ex e ci infila un George. Nessun problema, nessun pippone sulla bisessualità, solo un perfetto, limpido e sincero "stavo provando". Non ci sono scuse per mettersi a raccontare troppo, mai una bella scena di sesso che si perde nel voler essere troppo costruita. Si fa. Fine della discussione.
È su questo piano che Sex Criminals vince su tutta la linea. È sincero. Riesce a unire una storia di genere a un quotidiano privo di caricature e turpiloqui inutili. L'orgasmo che ferma il tempo è una base solidissima su cui costruire una storia che ruota intorno al sesso, sono delle sane scopate diciamolo pure. Eppure non vuole esorcizzarlo, non vuole essere troppo malizioso. Vuole divertire e intrattenere. E lo fa. Per questo vi dico che è come una serie tv (di quelle belle eh), non si crea problemi e va avanti e voi con lei. Nota di merito al lavoro della Bao perché il lavoro di traduzione è stato meraviglioso.

In Sex Criminals c'è del sano porno e una bella storia. Sinceramente dovrebbe bastarvi questo per convincervi a leggero. E non perché dovete togliervi qualche freno, leggere qualcosa di "diverso" (ma perché poi?) o per leggere una storia con una trama che vi avvolge completamente (e questa lo fa).
Lo dovete leggere perché è il trionfo di tutto ciò che ci piace, davvero. E tanto.

Partiamo pure con la premessa che se non vi piace questo libro siete delle persone orripilanti. Ma di quelle brutte davvero eh, che stanno tutto il giorno a rimuginare su un sacco di roba e alla fine sospirano afflitte. Sono drastica? Potrebbe essere (o meglio, sì), ma è per darvi un'idea più che limpida della situazione.
Il Porto Proibito è una storia che vi abbraccia per un lasso di tempo sufficiente a farvi sciogliere completamente, a farvi affascinare con bellezza e con anche una buona dose di dolore.

Vi trovate in mano un fumetto dove le navi di Turconi filano via veloci, dove vedete e quasi toccate voi stessi le vele. È uno stile che si guadagna ragione facendo sempre più sua la storia che viene raccontata. I tratti quasi disneyani (vedi la carriera di questi due) sono perfettamente coerenti con quello che ci si presenta di fronte, con i volti scuri dei marinai, con i capelli di Rebecca.
Ed ecco infatti perché cadrete in fallo più volte, inciampando sul vostro cuore che verrà poi calpestato ancora e ancora. I personaggi sono meravigliosi, capaci di non farvi pensare a nient'altro che a loro per tutta la durata di questo viaggio, sono onesti in una maniera assurda. In una storia fatta di marinai, ragazzi senza memoria, bordelli e capitani con una corazza che non vogliono togliersi di dosso abbastanza, cadere in fallo sarebbe stato facilissimo. E invece. Invece abbiamo in gioco esseri umani che ci sembrano quasi veri, e ci sentiamo a nostro agio nel leggere una storia di naufragi e misticismo.
È un dinamismo che non pesa affatto, un tumulto continuo che si srotola però a favore di una comprensione che porta stupori e malinconie che non stuccano mai.

Sembra tutto troppo bello? Lo è. Se aggiungiamo poi il fatto che leggendolo vi ritroverete tra le mani ballate, sea shanties, poesie romantiche, Coleridge a palate, io dico che è il momento giusto di prenderlo subito.
L'aria che si respira è quella pulita, pungente, anche un po' cattiva di quei posti che ti affascinano da morire, dove ci sono quelle persone che ami tantissimo e quelle storie che, come questa, vorresti leggere ancora e ancora.

Il mio amore per Neil Gaiman è stato ormai declinato in numerose maniere. Dalle raccolte di racconti, ai romanzi. Riesce sempre a farmi stare malissimo, ma bene, a inquietarmi quel tanto da fare le scale tre gradini alla volta, a meravigliarmi immensamente (devo ancora continuare Sandman, se i volumi non richiedessero la vendita di un organo andrei avanti molto volentieri).
Questa volta, dopo un lunghissimo tergiversare sulla cosa, ho letto "La tragica commedia o la comica tragedia di Mr Punch". Ci ho pensato parecchio, perché, lo ammetto senza alcun problema, solo la copertina mi terrorizza. Sarà che io perdo il sonno quando ci sono quegli elementi terrificanti stile "vedo ma non vedo" (per spiegarmi, stile la Bath che diventa Nagini e Harry la vede con la coda dell'occhio, Donnie quando gli appare Frank all'improvviso), quel maledetto Punch sulla copertina mi atterriva da morire.
Non sapevo che non solo il contenuto sarebbe stato abbastanza creepy, ma anche dolorosissimo.

Quest'opera parla di un ragazzino che viene mandato dai nonni, la madre è incinta, lui ha una qualche malattia contagiosa, e si vuole evitare il contagio. Anni prima aveva avuto il suo primo incontro con Mr Punch. Si tratta, per chi non lo sapesse, di uno spettacolo di burattini veramente famoso in Inghilterra, che risale addirittura al 1600, Punch del resto non è altro che la versione anglofona di Pulcinella, che qui diventa un vero maestro dell'inganno, per niente gentile (uccide il figlio neonato e la moglie).
La trama procede in uno stratificarsi di ricordi, un affastellamento di memorie, dove lo spettacolo di Mr Punch e della sua disgraziata moglie Judy ha un ruolo molto importante.
Gli adulti sono i nonni, il Signor Swatchell (il "Professore", ovvero il burattinaio che manovra Punch, "Una volta che porti in vita Mr Punch, non c'è modo di liberartene"), lo zio.
Le piccole scene fatte di tradimenti e inganni dello spettacolo sono strettamente correlate alle vicende che ruotano attorno al tendone dove avviene lo spettacolo stesso, vicende che agli occhi di un bambino sono ambigue, incomprensibili. La menzogna da parte degli adulti, la perdita dell'innocenza ("Non hai visto niente") si impongono sulla scena e alterano i ricordi. La memoria è inaffidabile. Più volte ci viene detto che lui stesso non ricorda bene, non è sicuro. Mr Punch e la sua vicenda riescono ad elevare questa sensazione di impotenza e di smarrimento di fronte alla realtà all'ennesima potenza.

Il risultato è qualcosa di surreale, grottesco, onirico. L'illustrazione ibrida da parte di Dave McKean sicuramente gioca un ruolo fondamentale. Non abbiamo semplici illustrazioni, ma un collage di fotografie, ritagli, grafica computerizzata. Tutto ciò rende ancora più vago il ricordo, meno stabile la memoria. Il volto perfido di Mr Punch si incastra alla perfezione in tutto questo. È subdolo, caotico, tentatore, chiede spesso il supporto del suo pubblico.
"Salutai anche io, anche se sapevo che era solo un pupazzo, e la cosa mi spaventò".
Il protagonista non riesce a vedere interamente lo spettacolo senza perdersi in riflessioni su ciò che sta vivendo, e anche da adulto, non riesce bene a capire cosa sia effettivamente successo. Mr Punch e l'alterazione della memoria sono una realtà a parte.

Questo fumetto, anche se parlare di semplice fumetto è quasi sempre un'offesa quando si parla di Gaiman, va letto per evocare ricordi, per prendere a schiaffi, affrontandola finalmente, la malinconia.

Quando si suol dire divorare. Io in un'ora e qualcosa, caffeina e pantofole da dinosauro, mi sono persa completamente in "Mooned" di Lorenzo Palloni. Ancora una volta mi pento immensamente di non aver effettuato un acquisto (la mia esistenza è ormai divisa in "mi pento sono povera", "mi pento di non aver speso") quando progettavo di prendermelo al Lucca Comics. Fortunatamente, e sottolineo l'avverbio con cinque o sei colori differenti, è possibile leggere tutto Mooned sul sito della Mammaiuto. Alt, non sapete bene cosa sia la Mammaiuto? È un collettivo di autoproduzioni e web comics, moltissime pubblicazioni e tanti progetti. Potete effettuare donazioni e se quello che avete letto vi è piaciuto fare un salto sullo shop e magari vi accaparrate l'edizione cartacea. Semplice.
Insomma, questo Mooned era al Lucca Comics e io scema non l'ho comprato. Ieri mi sono finalmente decisa a leggerlo. Infatti lo avrei comprato a scatola chiusa, semplicemente per due motivi. Il primo è la luna. Dove c'è di mezzo la luna io vado sul sicuro, come Sailor Moon, secondo motivo il formato della pubblicazione, 10,5 x 29 cm.

Cercherò di farla breve. Mooned è bellissimo. Un bello che, lo ammetto mesta, pentita e afflitta, non mi sarei aspettata. Pensavo sarebbe stato piacevole. E invece no. Mooned è qualcosa che va irrimediabilmente recuperato e assimilato.

Dovete conoscere (ma un po' sicuramente lo conoscete già da qualche parte in quelle vostre menti piene di dubbi) Rico Ferris. Rico è un astronauta in un futuro non delineato, che dopo un incidente insieme al suo compagno Maltzy si trova bloccato (in tutti i sensi, non si può muovere) su una minuscola luna, il cui tempo di rotazione è quello di una tavola. Abbiamo Rico, supino, braccia spalancate, che aspetta nella sua omni-tuta che gli garantisce la sopravvivenza. Aspetta Maltzy. Il suo amico, che sicuramente verrà a salvarlo. Il problema è che noi fin dal primo incontro con Rico sappiamo che il suo amico è sul lato apposto della stessa luna. Morto. Quest'ironia tragica, questo esistenzialismo basato su un'attesa mal riposta pervade tutta l'opera. In queste prime tavole Rico si lamenta del suo amico, che sicuramente al ritorno lo tratterà come un cretino, si lamenta della luna minuscola su cui si trova. Intanto Maltzy giace morto dalla parte opposta, e noi che vediamo la rotazione lunare completa lo sappiamo benissimo.

Ma poi arriva altro. E diciamolo subito, l'arma vincente di questo fumetto sta tutta in un mix micidiale tra malinconia, surrealismo e umorismo tagliente.

Abbiamo Rico esasperato, che piano piano sembra perdere il senno (l'uso del termine senno è giustificatissimo signori). Impazzisce, sfonda persino la quarta parete (e di sfondamenti della quarta parete ce ne sono alcuni che valgono da soli tutto quanto). Sono frutto della sua immaginazione (forse) altri bizzarri personaggi che transitano ogni tanto da quelle parti. C'è il vero affittuario della luna, un pappone con le sue tre ragazze, Donna (di cognome Cannone) e poi tra gli altri Tom (e chi è questo Tom ve lo andate a leggere così poi mi dite se non bisogna adorare questo fumetto). I personaggi, il loro influire sulla vicenda, rendono la situazione spesso grottesca, assurda. L'ambiente si plasma attorno alla mente ormai completamente alla deriva di Rico, che ricordiamolo, rimane sempre immobile (più o meno) sulla superficie lunare, incapace di qualsiasi cosa.

Questo vi dovrebbe chiarire quale sia la qualità dei dialoghi. Le frasi sono vivide, taglienti, capaci di farvi crollare o ridacchiare sommessamente. Ma sopratutto ci sono momenti che vi faranno fermare un po' a pensare. Se l'universo è davvero un accrocchio di lamantini (parola di Tom), cosa è reale? Cosa non lo è? Vale la pena davvero fare qualcosa (o sopratutto non farlo?) Messa così sembra l'incipit di una puntata di Heroes, ma non prendetela male, anzi.

E poi non scordiamoci il punto principale. Perché voi lo vorrete sapere quanto me. Nico Ferris alla fine ce la fa?

Vi invito cordialmente ad andare a leggervi tutto quanto Mooned (visto che non dovete neanche muovervi per farlo). Tornate pure a ringraziare.

Altro titolo presuntuoso altra corsa! Mi sentivo maledettamente in colpa a non fare una piccolissima classifica sulle migliori graphic novel lette nel 2014. Questo perché ne ho lette parecchie rispetto agli scorsi anni e ormai so destreggiarmi abbastanza bene. Il mio ragazzo mi ha istruita bene.
E comunque ho letto cose davvero meritevoli e quindi, perché non farlo?

Il Nao di Brown, Glyn Dillion. Questo fumetto ha qualcosa di insuperabile. Ovvero, se lo leggete, e potete capire la protagonista ne sarete travolti e al tempo stesso coccolati. Il Nao di Brown è la storia di una ragazza affetta da una sindrome ossessiva che le impedisce di vivere la sua vita. Anzi, mi correggo. Lei è capace di vivere la sua vita, ma in cambio accumula sensi di colpa e enormi macigni fatti di vergogna e ansie. Ci viene offerto un frutto di coscienza sospeso tra una realtà apparentemente inaffrontabile e le visioni di Nao. L'acquarello stesso gioca su contrasti e rende questa lettura una delle migliori cure possibili per chi può sentirsi vicina alla protagonista.

Dimentica il mio nome, Zerocalcare. Non c'è bisogno di introduzione e forse nemmeno di spiegazione alcuna. Se non sapete di cosa parlo non so su quale pianeta vivete. Non inserire questo fumetto avrebbe reso la classifica meno mainstream, ma sarebbe stata una bugia enorme. Con quest'opera Zerocalcare vince su ogni livello, su qualsiasi cosa. E lui ha paura di scrivere pipponi emo. "Con la vita diventiamo poligoni".

Hilda e il troll, Luke Pearson. Ma ecco il vero vincitore. Questa cosa piccola e dolce mi ha veramente riscaldato un po'. Le creature, le riflessioni, il mondo di Hilda. Tutto è piacevole, ma allo stesso tempo, mai scontato.

Saga (volume I), Brian K. Vaughan, Fiona Staples. Dovete. Dovete e basta. Vaughan dice che si è ispirato a Star Wars e io dico GRAZIE! Questo fumetto (di cui per ora ho letto solo il primo volume ma esigo avidamente il seguito) è quello che vi serve se pensate che le storie un po' sci fi siano tutte uguali. Magari lo sono. Ma scommetto che non ne avete mai letta una così. E poi ho visto entrambi al comics. Sono adorabili.

LMVDM, Gipi. Letto in una caldissima giornata estiva questo fumetto mi ha turbato moltissimo. Prima opera di Gipi a cui mi approccio, da molti considerata la "più diversa" appunto. Come il titolo stesso dice è una vita disegnata male, un manifesto di emozioni realissimo ma che in realtà è quasi una riflessione bella e crudele.

In realtà avrei potuto citare altre opere, ma queste sono quelle che più mi hanno colpita e che sinceramente spero anche voi recuperiate.

Boddah ci narra questa storia. Per chi non lo sapesse, Boddah è stato (o è?) l'amico immaginario di Kurt Cobain. Tuono Pettinato (Andrea Poggiaro, bravissimo e basta) con Nevermind decide di porsi su questo piano dell'esistenza di Kurt, il Kurt sognatore.

A vent'anni dalla morte dell'artista ci viene quindi offerta una storia bellissima e sopratutto fuori da un coro di voci piene di supponenza e infima curiosità. La morte di Cobain, così come molte altre, la sua vicenda, è stata dissezionata e data in pasto alle opinioni. Inutile sarebbe una storia dove Kurt, all'apice della grandezza affonda nella disperazione. E di fatto non è questo il caso.
Leggendo Nevermind vi troverete di fronte a qualcosa di tremendamente sincero, vi sentirete in dovere di camminare leggeri, senza far rumore. Questa attenzione per esseri umani emotivamente segnati e dal futuro brillante e rumoroso si trova in altre opere di Tuono Pettinato, come in "Garibaldi. Resoconto veritiero delle sue valorose imprese, ad uso delle giovani menti", ma soprattutto in "Enigma. La strana vita di Alan Turing", che non ho ancora letto ma si prefigura una cosa da lacrime abbondanti.Abbiamo davanti il Kurt bambino, il sognatore, vivace, che ama, che esplora. Un bambino normale insomma. Non ci sono controversie, non ci sono allusioni. Kurt ha una sensibilità che lo contraddistingue, ma non lo condanna. A portare violenza e a trasformarlo in quello che verrebbe definito "un bambino problematico" sono dei fattori esterni. Lui, con il suo amico Boddah, affronta tutto quanto. La sua infanzia viene travolta da momenti forti e forse troppo crudeli.

In questo modo l'icona, il simbolo, il personaggio, svaniscono durante una narrazione dolce e adorabile. Kurt e Boddah sono raffigurati Calvin e Hobbes (se non sapete chi siano, boh, non saprei che dirvi), e la cosa aumenta il taglio volutamente sincero della storia. Cobain, il bambino con l'amico immaginario. Certo, la storia prosegue e Kurt cresce, tuttavia la ricerca nel mostrare chi è davvero Kurt, come si sente davvero, sono di una tenerezza incontrollabile. Tuono Pettinato riesce a metterci davanti la visione di un essere umano, ma sopratutto riesce a meravigliarci con la sua storia.

Dalla sua ricerca nell'annullare l'emozione umana, nel disfarsi di quella sensibilità che ormai sentiva pesare sulla sua schiena, alla ricerca della pace attraverso droghe e il raggiungimento del Nirvana, non cade mai in fallo, non c'è un attimo di pesantezza. C'è solo l'ombra di Kurt che lo avvolge sempre di più. Quel Kurt che prima era un bambino, ed ora è un uomo. Tutto qua.

L'incanto che riesce a offrire quest'opera è la vera cosa da non sottovalutare, riuscire a rendere ancora più grande, ma allo stesso tempo a offrire "Pace amore ed empatia" una storia così reale, ma spesso mai vista davvero.
"I feel as one, in the sun."

Ah, disegnino bellino bellino (other words not found), che si è fatto fare il mio ragazzo al Lucca Comics.

Ho deciso di leggere Echo per caso. Mi spiego, la copertina, un po' troppo "americana" per i miei gusti non mi invitava affatto a leggerlo. Mi respingeva, letteralmente. Ma il mio ragazzo lo ha ritirato fuori quando gli ho chiesto di passarmi qualcosina, quindi, insieme a Nausicaa è arrivata lei. Julie.
In questo bel malloppone di più di 500 pagine (in originale trenta volumi, cosa che mio parere è stata una vera e propria serie tv sci fi) seguiremo Julie, la "malcapitata" fotografa che si trova proprio sotto l'esplosione di quello che è l'esperimento più innovativo e sconvolgente dell'uomo. La pioggia "nucleare" (sto cercando di non farvi spoiler, quindi la chiamo così) le cambierà la vita. Si ritroverà quindi con una bella placca argentata sul petto, nuovi problemi (perché Julie ne ha fin troppi, non è certo la solita semplice poverina di passaggio) e fin troppe domande. Perché prima di tutto la placca non si toglie. Secondariamente sembra essere un'arma atomica non indifferente.

Quest'opera è qualcosa di godibilissimo e interessantissimo su più livelli. Mi spiego, il primo livello è la storia, chiaramente, delle vite, di Julie, di Annie, la creatrice dell'inquietante e sorprendente "Progetto Phi", del suo fidanzato Dillon e degli altri protagonisti (perché qua lo sono tutti, compreso il progetto Phi stesso, la tuta "radioattiva" che Julie si è ritrovata incollata al petto). Moore è riuscito ad accordare una storia molto umana insieme a un tratto sci fi accattivante e ricco di suspense, creando una tensione narrativa che non mi sarei mai aspettata, ma che ho ben recepito dopo le prime due tavole. L'ambizione del narratore ha creato uno spettacolo su più livelli appunto, unendo, a una storia travolgente e impossibile da non seguire col cuore in gola, temi delicati e intraprendenti. Chiaramente, quello del disastro ambientale, del potere umano sulla natura, sulla volontà e sulla cecità umana di voler avere di più, e quando lo si ha, giocare alla divinità potente, giocando, ovviamente con il fuoco. L'indisciplinato essere umano che non capisce quando basta, non capisce quello che ha intorno, e se arriva a una qualche conclusione, subito riesce a svolgerla a suo sfavore, poiché gli occhi dei più puntano non sul benessere di tutti, ma sull'egoismo e sull'ottenimento di un potere incapace poi da gestire. Ogni capitolo è preceduto da una citazione di Einstein, di Oppenheimer, ma anche Quiller Couch, o l'ormai noto proverbio cinese del dito e della luna, andando a sfondare la discussione sulla semplice gestione del potere, della natura, delle potenzialità, e andando a sfiorare la morale più alta, il libero arbitrio, la coscienza di sé. In Echo l'on the road di Julie è una crescita e una presa di coscienza chiara e palese, una trasformazione esteriore e interiore, un andare oltre. Molto oltre credetemi.
Gli altri protagonisti a loro volta non sono semplici personaggi, ma ingranaggi di una macchina enorme, di un sistema umano che travolge e sconvolge. Dillon è un ranger che arriva a sconvolgere tutto quanto in una giornata, Ivy, incaricata di trovare Julie, muterà le proprie convinzioni di netto. E poi c'è Caino, but no spoiler.

Le relazioni umane e l'enorme problema di un imminente disastro non solo si intrecciano, ma si completano, mostrano che tutto quanto è tutto quanto "e chissà cos'altro". Fisica e filosofia ci spingono a forza dentro una storia senza tregua, che sembra apparire risolta per poi buttarci di nuovo nello sconforto. Un'evoluzione continua di sensazioni, paure, angosce e scoperte senza un'apparente via di fuga. L'atmosfera è quella di una serie sci fi ben progettata, con dettagli intimi e intreccio ottimale, fatto appunto di spionaggio, industria bellica e una potenziale apocalisse.
E del resto dal punto di vista grafico la cosa traspare chiaramente vista la cura per il dettaglio, l'attenzione dedicata a determinate scelte. Sebbene come abbia detto all'inizio tutto mi sembrava "un po' troppo americano", il tratto è molto più europeo di quello che mi aspettassi. Lo stile di Moore è realistico in una maniera quasi esasperante, la coerenza narrativa fantastica.
Il fatto che sia un malloppone di 590 pagine non deve assolutamente allarmare nessuno. Tengo a precisarlo. L'edizione è fantastica e per quanto riguarda l'opera stessa mi auguro che vi sia giunto il messaggio. Anzi, secondo me, e potrei sbagliarmi (ma raramente lo faccio, no, non è vero), secondo me la lettura tutto d'un fiato è un beneficio. È un salto nel vuoto.

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